[음악사 기행] 고대부터 바로크까지: 종교음악과 대중음악의 변화와 통합

음악의 두 얼굴, 종교와 대중

우리가 즐겨 듣는 음악은 시대에 따라 다양한 모습을 보여주었습니다. 때로는 신을 향한 경건한 기도였고, 또 어떤 때는 사랑에 빠진 사람의 설렘이기도 했죠. 음악은 늘 두 가지 얼굴, 즉 종교음악과 대중음악 사이에서 서로 영향을 주고받으며 발전해 왔습니다.

이번 글에서는 고대부터 바로크 시대까지, 이 두 음악의 흐름이 어떻게 변화하고, 어떤 순간에는 분화되었다가 다시 통합되었는지를 시대별로 살펴보겠습니다. 그 과정 속에서 당시 사람들의 삶, 문화, 감정까지도 함께 들여다볼 수 있을 것입니다.

고대 음악 – 신과 인간을 잇는 소리

고대 사회에서 음악은 단순한 오락이 아니었습니다. 신과 인간을 연결하는 신성한 도구로 여겨졌습니다.
특히 고대 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마에서는 제사 의식이나 국가 행사의 중요한 부분으로 음악이 사용되었는데요, 이때 연주된 음악은 지금처럼 악보로 남아 있지 않고, 전설과 유물, 일부 기록으로만 그 모습을 짐작할 수 있습니다.

🕊 종교음악의 시작

고대 유대교의 음악은 오늘날 서양 교회음악의 기초가 됩니다. 특히 시편을 낭송하듯 부르는 찬양의 형식은 이후 중세 교회음악의 뿌리가 되었지요. 당시에는 성직자가 음악을 통해 신의 뜻을 전한다고 믿었고, 악기 사용은 제한적이거나 배제되기도 했습니다.

🎶 대중음악의 태동

한편, 고대 그리스에서는 시와 음악이 밀접하게 연결되어 있었습니다. 음유시인들이 리라(lyre)를 연주하며 신화나 영웅 이야기를 노래했고, 이는 당시 사람들에게 큰 즐거움이었습니다.
또한 축제나 연회, 결혼식 등에서도 음악이 빠지지 않았으며, 구전으로 전해지는 민속 음악도 활발히 연주되었습니다.

즉, 고대에는 종교의 권위 아래 존재하던 음악이 점차 삶 속의 즐거움으로 확장되는 계기가 마련되었던 시기라고 할 수 있습니다.

🏛 고대 – 단순하지만 신성했던 소리

고대 문명에서는 악기가 종교 의식이나 왕실 행사에서 주로 사용되었습니다. 악기의 구조는 단순했지만, 사람들은 그 소리를 신의 언어로 여겼습니다.

리라(Lyre), 키타라(Kithara) – 고대 그리스의 대표 현악기
아울로스(Aulos) – 더블 리드 관악기로, 두 개의 관을 동시에 불며 연주
하프, 북 – 이집트와 메소포타미아의 제사나 장례식에서 사용

이 시기의 악기는 대부분 단음 위주로, 장엄하거나 명상적인 분위기를 자아냈습니다.

🏛 고대 – 선법 중심, 음악은 철학이었다

고대 그리스에서는 음악이 수학과 철학의 일부로 여겨졌습니다.
피타고라스는 “음정은 수비학적으로 계산할 수 있다”고 주장하며, 음악의 조화는 우주의 질서와 같다고 보았습니다.

선법(모드, Mode): 음악은 특정한 음계 구조(도레미...)에 따라 만들어졌으며, 각 선법은 특정 감정이나 분위기를 상징했습니다.
예: 도리아 선법(진지함), 프리지아 선법(격정적임) 등
이론서: 아리스토텔레스의 『정치학』, 플라톤의 『국가론』

당시 음악은 “정신 수양의 도구”였으며, 음악적 실험보다는 규범을 따르는 것이 중요했습니다.

중세 음악 – 교회가 지배한 음악의 세계

중세(약 5세기~15세기)는 유럽에서 기독교가 절대적인 영향력을 갖게 된 시기입니다. 따라서 이 시기의 음악은 거의 대부분 교회를 중심으로 발전하였습니다. 음악은 신앙의 도구이자, 천상의 질서를 표현하는 수단이었지요.

⛪ 종교음악: 신을 향한 순수한 선율

이 시기 대표적인 종교음악이 바로 그레고리오 성가(Gregorian Chant)입니다.

단선율(하나의 선율)로, 화성이나 리듬의 강조 없이
라틴어로 부르며, 가사 내용은 성경이나 기도문
반주 없이, 맑고 고요하게 부르는 방식

이러한 성가는 수도원이나 대성당에서 정해진 전례에 따라 엄격하게 불렸습니다. 음악은 개인의 감정 표현보다 신을 향한 절대적인 헌신과 질서를 중요시했습니다.

🎻 대중음악: 교회 밖의 소리들

하지만 교회 밖 세상에서도 음악은 살아 있었습니다. 유럽 각지에는 트루바두르(troubadour)나 미네 질 젠(minnesinger) 같은 음유시인들이 등장해 사랑, 전쟁, 풍자 등을 주제로 한 노래를 불렀습니다.

이들은 성이나 마을을 돌며 연주하고 노래하며 대중의 인기를 얻었고,
지역마다 특색 있는 민속 음악이 연주되었습니다.

다만 이러한 음악은 악보로 남지 않고 구전으로 전해졌기 때문에, 지금은 일부 자료만을 통해 당시의 음악을 추정할 수 있을 뿐입니다.

🏛 중세 시대의 작곡가들 – 신비와 신앙의 목소리

힐데가르트 폰 빙엔 (Hildegard von Bingen, 1098~1179)

독일 출신의 여성 수도자, 신비가, 작곡가입니다.
그녀는 영적인 계시를 통해 작곡한 찬양곡들을 남겼으며, 여성 작곡가로서 중세 교회음악에 큰 족적을 남긴 인물입니다.

대표 작품: Ordo Virtutum (덕의 연극) – 최초의 서양 종교극 중 하나

레오닌과 페로틴 (Notre-Dame School)

프랑스 파리의 노트르담 성당을 중심으로 활동했던 작곡가들로, **다성음악의 초기 형태인 오르가눔(Organum)**을 발전시켰습니다.

대표 작품: Viderunt omnes

⛪ 중세 – 교회 중심의 오르간, 유랑악사의 악기들

중세에는 음악의 중심이 교회로 옮겨가며, 악기 사용은 제한되거나 간결한 반주용으로 사용되었습니다. 하지만 교회 밖에서는 음유시인과 유랑악사들이 다양한 악기를 들고 노래를 불렀습니다.

파이프 오르간(Organ) – 교회 내부에서 사용, 중후하고 장엄한 음색
비엘(Vielle) – 바이올린의 전신, 현을 활로 긋는 구조
류트(Lute) – 연주가 쉬워 일반인도 자주 사용했던 현악기
숌(Shawm) – 아울로스 계열의 전신, 나중에 오보에로 발전
탬버린, 작은 북 – 유랑 악사들이 사용한 타악기

⛪ 중세 – 교회 선법과 음표의 탄생

중세는 음악 이론의 틀이 본격적으로 정립되기 시작한 시기입니다. 음악은 여전히 선법에 기반했지만, 점차 **기보법(악보)**과 리듬 체계가 등장하면서 음악이 기록되고 공유될 수 있게 되었습니다.

네우마(Neume): 초기 악보 형태로, 음의 높낮이를 표시
4선보: 중세 성가에서 사용된 네 줄짜리 오선
그레고리오 성가의 정리와 통일을 통해 전례음악이 체계화됨
교회 선법 8가지가 공식화되어, 작곡가들이 일정한 규칙 속에서 음악을 만들게 됨
음악 이론이 점점 기록 중심으로 바뀌며, 전통을 넘겨줄 수 있는 기반이 마련되었습니다.

🎼 정리하자면, 중세는 종교음악이 제도권 안에서 체계적으로 발전하고,
대중음악은 자유롭고 다양한 형태로 교회 밖에서 존재하던 이중적인 시대였습니다.

르네상스 시대 – 종교와 대중, 각자의 길에서 꽃피다

르네상스(Renaissance)는 ‘재탄생’을 뜻하는 말로, 15세기부터 16세기까지 이어지는 유럽 문화의 대전환기였습니다. 사람들은 신 중심의 사고에서 벗어나 인간의 감정과 이성을 중시하는 분위기로 나아갔고, 음악 역시 그 흐름을 따라갑니다. 이 시기에는 **종교음악과 세속음악(대중음악)**이 각자의 길에서 독자적으로 발전하면서 음악사의 다양성이 한층 풍성해졌습니다.

⛪ 종교음악의 예술적 완성

르네상스의 종교음악은 다성음악(polyphony)의 꽃을 피웠습니다. 즉, 여러 성부가 각각의 선율을 가지면서도 아름답게 어우러지는 음악입니다.

미사곡, 모테트, 찬가 등 다양한 종교 형식이 등장하였고,
작곡가들은 화성, 선율, 가사 전달을 정교하게 고려하며 음악의 순수성과 아름다움을 추구했습니다.

이 시기를 대표하는 작곡가로는 조스캥 데 프레(Josquin des Prez)와 팔레스트리나(Giovanni da Palestrina)가 있습니다. 특히 팔레스트리나는 로마 가톨릭 교회 음악의 모범으로 여겨졌으며, 트리엔트 공의회 이후에도 예술성과 종교성을 모두 만족시킨 작곡가로 평가받습니다.

🎵 대중음악의 화려한 전성기

세속음악 역시 활발하게 발전했습니다. 궁정과 도시에서는 마드리갈(Madrigal), 샹송(Chanson), 프로톨라(Frottola) 등 다양한 가곡이 유행했으며, 사랑, 자연, 일상을 주제로 한 노래들이 널리 불렸습니다.

무엇보다 중요한 변화는 악보의 인쇄 기술 발전입니다. 이로 인해 대중도 쉽게 악보를 구입하고 연주할 수 있었고, 음악은 점점 더 많은 사람의 일상 속으로 스며들었습니다.

🌱 르네상스 시대의 작곡가들 – 조화와 아름다움의 시대

조스캥 데 프레 (Josquin des Prez, c.1450~1521)

“르네상스의 바흐”라고 불릴 만큼, 르네상스 다성음악을 대표하는 작곡가입니다.
그의 음악은 선율과 감정 표현이 뛰어나며, 음악적 구조도 정교합니다.

대표 작품: Ave Maria… Virgo Serena – 르네상스 성가의 대표작

지오반니 다 팔레스트리나 (Giovanni da Palestrina, 1525~1594)

로마 가톨릭 교회 음악의 이상형을 확립한 인물로, 종교음악의 순수성과 예술성을 동시에 지켜낸 작곡가입니다.

대표 작품: Missa Papae Marcelli (교황 마르첼루스 미사) – 성악 다성음악의 정수

토마스 탈리스 (Thomas Tallis, c.1505~1585)

영국의 종교개혁 시기에 활약한 작곡가로, 가톨릭과 개신교 양쪽의 예식을 아우르는 작품들을 남겼습니다.

대표 작품: If Ye Love Me, Spem in alium (40성부 합창곡)

🌱 르네상스 – 연주를 위한 악기의 본격적인 발전

르네상스 시대에는 기악음악의 독립성과 중요성이 점점 높아지면서 악기 제작 기술도 크게 향상됩니다. 같은 계열의 악기들을 가족(family) 단위로 구성하여 합주에 활용하는 시도도 활발해졌습니다.

비올 다 감바(Viol da gamba) – 비올 계열의 현악기, 다리 사이에 끼워 연주
하프시코드(Harpsichord) – 초기 건반악기, 바로크 시대에도 이어짐
르네상스 플루트, 크럼호른 – 다양한 음색의 목관악기들
류트(Lute) – 여전히 인기 있는 반주 악기, 화려한 곡도 가능
작은 오르간(Portative Organ) – 이동이 가능한 미니 오르간

🌱 르네상스 – 다성음악과 화성 감각의 확대

르네상스 시대에는 음악이 예술로서의 가치를 인정받으면서, 감성 표현과 음악적 균형이 중요해졌습니다. 이 과정에서 화성(harmony) 개념이 점차 자리를 잡기 시작합니다.

다성음악(polyphony): 여러 성부가 동시에 다른 선율을 연주하며 조화를 이루는 방식
**협화음(Consonance)**과 **불협화음(Dissonance)**의 구분이 중요해짐
카논(canon), 모방(imitation) 기법이 발전하면서 복잡한 음악 구조도 가능해짐
리듬 기보법이 정교해지고, 5선보의 사용이 보편화됨
르네상스의 음악 이론은 감정과 조화의 균형을 지향하며, 음악을 “건축처럼 짜인 예술”로 바라보게 했습니다.

🎼 르네상스 시대는 종교와 대중이 서로 다른 길을 걸으며 각자의 미학을 발전시킨 시대였습니다. 감성적이고 인간 중심적인 표현이 중심이 되며, 음악은 더 이상 성직자들만의 것이 아니게 됩니다.

바로크 시대 – 종교와 대중이 만나는 음악의 융합

바로크(Baroque)는 1600년경부터 1750년까지 이어진 시대입니다. 음악에서 감정의 극적인 표현, 화려한 기교, 장식적인 양식이 강조되었으며, 바로 이 시기에 종교음악과 대중음악이 서로의 경계를 넘어서 통합되기 시작합니다.

🎭 대중의 예술로 거듭난 오페라

바로크 시대의 가장 큰 특징 중 하나는 오페라의 탄생입니다.

이탈리아에서 시작된 오페라는 신화, 역사, 인간 감정 등을 무대로 옮겨 놓은 극적이고 대중적인 음악 예술이었습니다.
무대 연출, 의상, 조명까지 결합된 종합 예술로서 귀족뿐 아니라 시민들도 즐기는 공연이 되었죠.

이처럼 감정을 직접적으로 표현하는 오페라의 방식은 이후 종교음악에도 큰 영향을 끼치게 됩니다.

⛪ 종교음악의 극적 변화

이 시대의 종교음악은 더 이상 단순하고 규칙적인 선율에 머무르지 않았습니다. 오페라처럼 **아리아(노래)와 레치타티보(말하듯 노래하는 부분)**가 들어가며, 종교적인 주제 안에서도 청중의 감정에 호소하는 음악이 만들어졌습니다.

대표적인 예로는

바흐(J.S. Bach)의 칸타타와 마태수난곡
헨델(G.F. Handel)의 오라토리오 『메시아』 등이 있습니다.

이 작품들은 종교적 메시지를 담고 있지만, 세속적인 음악 어법을 적극적으로 활용하여 대중에게 감동을 주는 데 성공했습니다.

🎇 바로크 시대의 작곡가들 – 감정과 극적 표현의 대가들

요한 제바스티안 바흐 (Johann Sebastian Bach, 1685~1750)

바로크 음악의 거장으로, 종교음악뿐 아니라 기악곡에서도 절정의 기법을 보여준 인물입니다.
그의 음악은 수학적 정교함과 영적인 깊이를 동시에 지니고 있어 오늘날에도 널리 연주됩니다.

대표 작품: 마태수난곡, 브란덴부르크 협주곡, 무반주 첼로 모음곡

게오르크 프리드리히 헨델 (George Frideric Handel, 1685~1759)

독일에서 태어나 영국에서 활동한 작곡가로, 오페라와 오라토리오 분야에서 큰 업적을 남겼습니다.

대표 작품: 오라토리오 『메시아』, 왕궁의 불꽃놀이, 수상 음악

클라우디오 몬테베르디 (Claudio Monteverdi, 1567~1643)

르네상스와 바로크를 잇는 다리 같은 존재로, 최초의 본격 오페라 작곡가로 평가받습니다.

대표 작품: L’Orfeo – 오페라 역사상 첫 걸작

🎇 바로크 – 감정을 담은 악기의 전성기

바로크 시대는 기악의 황금기라고 해도 과언이 아닙니다. 악기가 감정을 표현하는 중요한 도구가 되었고, 각각의 악기가 주인공이 되는 협주곡, 독주곡도 활발히 작곡되었습니다.

바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스 – 오늘날까지 이어지는 현악기 구조 완성
하프시코드(Harpsichord) – 통주저음(Basso Continuo)의 핵심 악기
파이프 오르간 – 바흐가 사랑한 악기, 교회 음악의 중심
오보에, 바순 – 바로크 관악기의 주요 멤버들
트럼펫, 호른(자연호른) – 의식과 군악뿐 아니라 합주에서도 사용
리코더(Recorder) – 바로크 초중기 인기 악기

🎇 바로크 – 조성과 감정의 음악 언어 완성

바로크 시대는 우리가 오늘날 “서양음악”이라고 떠올리는 기본 틀이 완성된 시기입니다. **장조·단조 조성체계(Tonal system)**가 확립되며, 음악은 보다 극적이고 감정 중심적인 언어로 변화합니다.

장조(Major) / 단조(Minor) 체계 확립
통주저음(Basso Continuo): 숫자 기보를 통해 즉흥적인 화성 반주를 가능하게 함
기악음악 형식의 정형화: 푸가, 소나타, 협주곡 등 다양한 구조 정립
**대위법(Counterpoint)**이 체계화되어, 여러 선율이 조화롭게 얽히는 방식이 정식 교육으로 자리 잡음
이론서: 요한 요제프 푹스(J.J. Fux)의 『Gradus ad Parnassum』 – 바흐, 하이든, 모차르트가 공부한 고전 대위법 교본
바로크의 음악 이론은 작곡가가 “감정을 설계하는 건축가”로 거듭나게 만들었습니다.

시대 흐름 정리 – 종교음악과 대중음악의 변화 일람표

시대종교음악대중음악

고대	의식 중심, 단선율, 성직자 중심	민속적, 구전, 축제 중심
중세	그레고리오 성가, 교회 중심의 절대적 권위	음유시인의 사랑·풍자 노래, 민중 중심
르네상스	다성음악 발전, 미사곡·모테트 등 다양화	마드리갈, 샹송 등 세속 가곡의 전성기
바로크	오라토리오, 칸타타 등 감정 중심의 종교음악	오페라, 기악곡 발전, 공연문화 확산

이렇게 정리해 보면, 종교음악과 대중음악은 때로는 서로 갈라져 발전하고,
때로는 다시 만나며 새로운 장르를 만들어낸 것을 확인할 수 있습니다.

맺음말 – 따로 또 같이 진화해 온 음악의 역사

음악은 시대와 함께 움직입니다. 신의 이름으로 불리던 선율은, 어느 날 사랑하는 사람의 이름으로 불리게 되었고, 성당의 제단을 떠나 연회장의 무대에 오르기도 했습니다. 종교와 대중이라는 두 흐름은 서로 다른 길을 걷는 듯하면서도, 끊임없이 영향을 주고받으며 음악을 풍성하게 만들어왔습니다.

이 글을 통해 고대부터 바로크까지의 음악사를 간단히나마 살펴보셨다면, 이제 바흐나 헨델의 음악을 들을 때 그 안에 담긴 시대의 정신과 음악의 흐름도 함께 느껴보실 수 있을 것입니다.

음악은 단순한 소리가 아니라, 그 시대 사람들의 삶과 철학이 담긴 이야기이자 기록입니다. 그리고 그 이야기는 오늘날에도 여전히 울려 퍼지고 있습니다.

hwanee7 님의 블로그